Le dessin de mode est un art appliqué à maîtriser pour le CAP. Il se retrouve dans l’EP1, l’épreuve pratique appelée « Analyse et exploitation de données esthétiques et techniques ». Une partie de l’épreuve consiste à faire une proposition graphique et esthétique sur une partie d’un vêtement à partir d’une planche de tendance, le plus souvent.

Les critères d’évaluation

Pour connaître le niveau demandé, il faut se reporter au référentiel de l’examen :

Le niveau indiqué est de 2, ce qui signifie que le candidat doit avoir un niveau intermédiaire et non de simples bases. L’examinateur attend donc du candidat une proposition graphique et esthétique cohérente qui s’appuie sur les informations données au candidat. La grille d’évaluation de l’épreuve nous apprend que cette partie est notée sur 5 et représente donc 1/4 de la note totale de l’EP1, ce qui n’est pas négligeable.

Voici donc les compétences évaluées et les critères d’évaluation :

• C1.1 Collecter les données de la demande : en fonction des ressources mises à disposition, la collecte des données doit permettre l’exploitation des informations concernant le travail à réaliser en arts appliqués
• C1.2 Lire, décoder, sélectionner et classer les informations : l’interprétation des données doit être conforme aux demandes esthétiques et techniques ; les informations retenues doivent permettre la réalisation du travail à effectuer en arts appliqués

Grâce à la lecture des annales des années précédentes, j’ai constitué cette liste des demandes faites aux candidats :

• Reproduire des motifs sur du tissu plié
• Dessiner une harmonie de couleur
• Donner l’illusion du volume en plaçant des zones d’ombre et de lumière
• A partir d’un thème, créer un motif et customiser un vêtement
• Réaliser un motif avec des contrastés de couleur et une harmonie de couleurs
• A partir d’une recherche graphique, créer un motif symétrique et un autre motif asymétrique
• Dessiner un vêtement avec différentes sortes de plis et nommer ces plis
• Redessiner une partie d’un vêtement
• Mettre en valeur une ou plusieurs parties d’un vêtement (ex : dos avec des empiècements) grâce à un motif

Vous aurez à faire une proposition graphique sur un vêtement féminin. On attend du candidat qu’il•elle ait les notions suivantes :

• Notions sur les phénomènes perspectifs entraînant des modifications d’apparence
• Notions de proportion, dimensions, d’aplombs, de directions, de volumes, de structures
• Notions sur les techniques de représentation graphique et colorée
• Notions de style et de propriétés de matières
• Notions sur l’utilisation des moyens techniques, des outils, des supports (techniques traditionnelles ou informatiques)
• Notions sur le principe de classification et d’organisation de la couleur (harmonie)

Les savoirs-faire attendus sont :

• Être capable d’effectuer des croquis
• Être capable de traduire les principales déformations induites par le volume et l’angle de vue
• Être capable de sélectionner et associer des matières en fonction de leur apparence, d’une destination ou d’un rapport demandé
• Être capable de reproduire l’apparence des matières
• Être capable de reproduire ou rechercher des gammes colorées à partir de références documentaires ou consignes données

A partir de ces informations, vous pouvez déduire ce que vous avez à travailler :

• Le rendu des matières : transparentes, brillantes, maille et tricot, coton, lin, jean, fourrure et cuir…
• Les motifs : fleurs, pois, rayures, vichy, chevrons, pied-de-poule, losanges, écossais, carreaux, etc.
• Les harmonies de couleur
• Les zones d’ombre et de lumière sur un vêtement
• L’illusion du volume
• Les contrastes d’une valeur

Quelques notions de base sur la couleur

Avant de vous lancer dans la pratique, il est nécessaire de réviser un peu ce que vous avez appris sur la couleur dans vos jeunes années, à l’école. Cela vous aidera ensuite dans votre pratique du dessin pour l’épreuve.

La teinte est l’attribut par lequel une couleur peut être décrite : jaune, rouge, bleu, etc.

La valeur est la luminosité d’une couleur, l’attribut qui mesure les variations du gris et renvoie à la plus ou moins grande luminosité d’une couleur. La lumière est le taux de gris dans une couleur.

La saturation est l’intensité d’une couleur. C’est, par exemple, le rouge d’un rouge. Le rouge qui sortira du tube de peinture est vif. Si on ajoute du blanc, il sera plus lumineux et donc plus pâle. Si on ajoute du noir, il deviendra plus sombre et donc plus foncé.

Les couleurs achromatiques sont le blanc, le gris et le noir. Ces couleurs ont de la lumière mais pas de teinte.

Les couleurs primaires sont le jaune, le cyan et le magenta. On les appelle ainsi car ce sont des couleurs brutes. Elles ne sont le résultat d’aucun mélange de couleurs. Par contre, leur mélange permet d’obtenir toutes les couleurs.

Les couleurs secondaires sont obtenues en mélangeant les couleurs primaires :

• Cyan + jaune = vert
• Cyan + magenta = violet
• Jaune + magenta = orange
• Cyan + jaune + magenta = noir

Les couleurs tertiaires sont obtenues en mélangeant les couleurs secondaires et primaires :

• jaune + vert = jaune verdâtre
• jaune + orange = jaune-orangé
• violet + cyan = violet bleuté
• vert + cyan = vert bleuté
• etc.

Les couleurs complémentaires sont des couleurs opposées l’une de l’autre. Cela signifie qu’elles sont diamétralement opposées sur le cercle chromatique. Voici quelques exemples :

• vert ≠ rouge
• orange ≠ bleu
• jaune ≠ violet

Ces quelques notions de base sont nécessaires pour pouvoir aborder ensuite la pratique.

Le matériel utilisé

La façon de travailler pour cette épreuve dépendra évidemment du matériel que vous aurez choisi pour réaliser votre proposition esthétique. Plusieurs choix s’offrent à vous : les feutres, les crayons de couleur ou les deux. Pour ma part, j’ai choisi les crayons de couleur car je me sens plus à l’aise avec cet outil qu’avec des feutres et aussi car j’essaie peu à peu de bannir le plastique de ma vie, mais cela est un autre sujet…

J’ai fait le choix d’investir dans une bonne marque car j’ai bien l’intention de les réutiliser par la suite, au-delà du dessin de mode et du CAP. J’ai donc acheté une boîte de 36 crayons aquarellables de la marque Faber-Castell et je ne le regrette pas du tout ! Ce sont vraiment de très bons crayons de couleur qui peuvent être utilisées pour faire de l’aquarelle, possibilité que je n’ai pas encore testée.

Une fois vos outils choisis, vous devez apprendre à les maîtriser. N’ayant pas fait le choix des feutres, je ne parlerai donc que des crayons de couleur. Voici les conseils que j’ai pu glaner sur l’utilisation des crayons de couleur (cf. lien dans la webographie) :

• Commencer par un croquis de base au crayon à papier (H, HB, B ou 2B). Pour ma part, j’utilise du HB.
• Pour éviter les coups de crayon, colorier en faisant de petits cercles
• Commencer à colorier les bords pour ne pas dépasser
• Colorier toujours dans le même sens
• Pour éviter des zones blanches blanches, faire trois passages

• Pour faire un dégradé de deux couleurs, colorier la zone en mettant les deux couleurs côte à côte puis choisir une des deux couleurs, colorier sur l’autre couleur en baissant la pression. Faire de même avec l’autre couleur.

• Pour faire un dégradé vers le blanc, jouer avec la pression exercée sur le crayon

• Pour réaliser les ombres, commencer par la couleur la plus pâle, puis mettre la couleur la plus sombre. Ajouter une teinte plus foncée ou du noir dans la partie la plus sombre. Pour le corps ou les vêtements, suivre les lignes et les creux (les plis) des vêtements

• Finir en dessinant les contours avec des stylos de couleur ou un crayon bien taillé, légèrement plus foncé que le ton. 

Il ne vous reste plus qu’à vous entraîner pour suivre ces conseils et en faire des habitudes à chaque fois que vous prenez un crayon de couleur.

Le dessin de mode

Le dessin de mode est un dessin particulier. Les personnages peuvent avoir différentes postures : de face, de trois quart, de dos, avec un bras plié, un pied avancé. Il faudra donc tenir compte du mouvement. De plus, vous devrez travailler le rendu des matières, ce qui n’est pas évident avec les crayons de couleur. Sans oublier, l’impression de volume, les ombres et les lumières. Les livres sur le dessin de mode conseillent généralement d’utiliser l’aquarelle, qui permet un rendu vraiment professionnel, et de réaliser certains détails au feutre ou au crayon de couleur. Pour le CAP, cela n’est évidemment pas envisageable, d’où l’utilisation de feutres ou de crayons de couleur.

Pour apprendre les bases du dessin de mode, je vous conseille deux livres : Comment dessiner la mode – bases & techniques de Naoki Watanabe et Cours de dessin de mode tome 1 de Zeshu Takamura. Pour compléter, j’ai fait la trouvaille chez Gibert Joseph d’un livre sur les accords de couleur intitulé 2000 accords de couleurs pour les graphistes et les designers de Garth Lewis. Ce livre est un investissement à long terme et pourra évidemment me servir par la suite. Mais il a le mérite, en première partie, de faire des rappels sur les couleurs (cf. ci-dessus).

Phase 1 : Les bases

En préambule, je tiens à préciser que, d’après les annales des années précédentes que j’ai parcourues, on ne demande pas aux candidats du CAP de savoir dessiner le corps humain. La proposition graphique et esthétique se fait soit sur la partie d’un vêtement, soit sur une silhouette déjà dessinée. Je n’ai donc pas perdu de temps à savoir dessiner le corps humain.

Le livre Comment dessiner la mode de Naoki Watanabe permet d’acquérir les bases sur les plis, les ombres etc. Je me suis essentiellement concentrée sur la leçon 2 dédiée aux techniques d’habillage et la leçon 3 dédiée aux techniques de coloriage. J’ai donc travaillé en recopiant les dessins du livre :

• les volumes
• le rapport entre le tissu et le corps
• les pinces, fronces, plis et drapés
• le rendu des motifs
• les ombres et les lumières

Phase 2 : dessiner des vêtements

Pour apprendre à dessiner des vêtements, je me suis appuyée sur le livre Cours de dessin de mode de Zeshu Takamura qui propose des tutoriels pour apprendre à dessiner toutes sortes de vêtements : chemisier, jupe, veste, cardigan, etc. Le livre propose de dessiner le vêtement à partir des modèles (femme et homme) dans différentes postures (de face, de trois quart, etc.) en posant un calque dessus. Vous pouvez simplement poser une feuille blanche au dessus du modèle puis une autre feuille blanche en dessous, pour mieux voir en transparence. Vous pouvez ainsi vous entraîner à dessiner différents vêtements.

Voici quelques conseils que vous pouvez appliquer pour dessiner n’importe quel vêtement :

• Tracer le contour du vêtement en tenant compte du volume : le vêtement est-il moulant ou non ? Attention aux bras qui bougent ! Penser à l’espace entre le tissu et le corps ; arrondir les angles et ne pas joindre les lignes
• Ajouter les détails comme les lignes structurelles du vêtement (comme une découpe princesse), comme les éléments ajoutés (les poches) et comme les plis autour des articulations
• Tracer les plis en partant de l’intérieur du corps ; penser aux plis horizontaux (liés à la forme du corps) et aux plis verticaux liés à la gravité

Une fois que vous serez plus à l’aise, je vous conseille de prendre des magazines de mode féminine ou des photos de modèles de patron et de les recopier. Le dessin de mode est comme tous les arts : il demande de la patience et du travail.

Personnellement, je n’ai pas investi beaucoup de temps pour le dessin de mode. Même s’il pèse 5 points sur 20 dans l’EP1 dont le coefficient est 4, cela n’est rien comparé à l’EP2 et son coefficient de 10 ! Par contre, j’ai vraiment apprécié dessiner de nouveau. Le dessin et moi, c’est une longue histoire d’amour, qui a commencé bien avant la couture ! J’ai d’ailleurs l’impression que j’étais bien meilleure à huit ans que maintenant. Une chose est sûre : maintenant que j’ai repris le dessin, je ne le lâcherai pas. J’ai vraiment envie de continuer et d’avoir cette corde de plus à mon arc.

Bibliographie et webographie

Bibliographie

• Comment dessiner la mode – bases & techniques, Naoki Watanabe, Éditions Dessain et Tolra
• Cours de dessin de mode tome 1 de Zeshu Takamura, Éditions Eyrolles
• 2000 accords de couleurs pour les graphistes et les designers, Garth Lewis, Éditions Eyrolles

Webographie

• Comment bien colorier aux crayons de couleur, Anatea Manga
• Color with colored pencils, Teya Bozhilova